Por Lizbeth Woolf
CIUDAD DE MÉXICO.- Basada en el musical de teatro de 1998 Hedwig and the Angry Inch de Mitchell y Stephen Trask , acompaña a Hedwig Robinson, una cantante de rock gay de Alemania del Este. Se trata de una película de comedia dramática musical estadounidense de 2001 escrita para la pantalla y dirigida por John Cameron Mitchell.
Hedwig desarrolla una relación con un hombre más joven, Tommy, convirtiéndose en su mentor y colaborador musical, solo para que Tommy le robe su música y se convierta en una estrella de rock. La película sigue a Hedwig y su banda de acompañamiento, Angry Inch, mientras siguen la gira de Tommy, mientras exploran el pasado de Hedwig y su cirugía de reasignación de sexo forzada . Mitchell repite su papel como Hedwig de la producción original.
A pesar de las críticas en su mayoría positivas de los críticos y el público, el estreno limitado de la película solo recaudó 3,6 millones de dólares de un presupuesto estimado de 6 millones. Desde entonces, el musical ha desarrollado un culto de seguidores devotos .
En 2001, la película ganó los premios al Mejor Director y al Público en el Festival de Cine de Sundance, así como el premio al Mejor Debut como Director de la National Board of Review , los Premios Gotham y la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles . Mitchell recibió una nominación al Globo de Oro al Mejor Actor de Película Musical o Comedia y el Premio a la Actuación del Año de la revista Premiere .
A lo largo de la película, Hedwig hace referencia al discurso de Aristófanes en el Simposio de Platón . Este mito, relatado por Hedwig en la canción ” El origen del amor “, explica que los seres humanos alguna vez fueron seres redondos, de dos caras, cuatro brazos y cuatro patas. Los dioses enojados dividieron a estos primeros humanos en dos, dejando a las personas separadas con un anhelo de por vida por su otra mitad.
Cerca del final de la película, Hedwig está deprimida, su banda y su manager la abandonaron disgustados después de que ella rompió el pasaporte de Yitzhak. Mientras trabajaba como prostituta callejera, finalmente se reencuentra con Tommy y se reconcilian. Después de que los dos conducen accidentalmente la limusina de Tommy contra un camión de noticias, los paparazzi irrumpen en la escena, Hedwig se vuelve famosa y la popularidad de Gnosis se desploma. Reunida con su banda, Hedwig se presenta en Times Square , lo que culmina con una violenta expulsión de su drag.
Al entrar en el capítulo final de la película, parece que se desarrolla en un espacio no real, tal vez la mente de Hedwig. Ahora, en forma masculina, Hedwig se descubre sola frente a Tommy en un enorme escenario. Tommy le canta a Hedwig, suplicando perdón y despidiéndose; ella se da cuenta de que creó su “otra mitad” desde dentro de sí misma.
Hedwig se encuentra entonces de nuevo en Times Square, pero el espacio parece transformado, con una iluminación ambiental blanca. Los miembros de la banda, todos vestidos de blanco, ya están en sus lugares en el escenario. Hedwig le da a Yitzhak su peluca rubia, lo que le permite a Yitzhak ocupar su lugar, y canta en solidaridad con “todos los inadaptados y perdedores” del mundo. Una breve secuencia animada que simboliza la unión de las mitades platónicas separadas conduce a la toma final: Hedwig caminando desnuda por un callejón oscuro hasta la calle.
Durante la presentación del musical en Off-Broadway, Mitchell había recibido la oferta de adaptar Hedwig para una película. Desarrolló partes del guion en los laboratorios cinematográficos de Sundance , en particular la escena del tráiler con Tommy Speck. Más tarde, la película se presentó al Festival de Cine de Sundance .
Según el comentario del DVD , la mayoría de las voces principales se grabaron “en vivo” mientras se filmaban las escenas, para capturar la intensidad de una actuación en vivo. [ 9 ] La grabación en vivo de “Hedwig’s Lament” es la versión de la banda sonora de la película a pesar de que la mayoría de las canciones se grabaron en estudio para el álbum.
Mitchell tuvo que afeitarse constantemente durante el rodaje de la película, a menudo utilizando una maquinilla eléctrica entre tomas mientras aún estaba completamente maquillado. También en el comentario del DVD, Mitchell menciona que Pitt se sintió algo incómodo con la prolongada escena del beso, quejándose de que la barba de Mitchell le arañaba. Mitchell mencionó que Pitt consumió cebolla y ajo directamente antes de rodar la escena.
Las escenas eliminadas se centran principalmente en los personajes que rodean a Hedwig; aprendemos más sobre Yitzhak (que alguna vez fue un drag queen llamado “Krystal Nacht”, un juego de palabras con Kristallnacht ), cómo conoció a Hedwig en un bar de drag croata y lo vemos preparándose para una audición para el papel de Angel en Rent . También nos enteramos de que la manager de Hedwig, Phyllis, tiene un teléfono celular implantado quirúrgicamente en un diente. Cuando recibe un golpe en la cabeza con la puerta de una secadora, no puede colgar su teléfono. Krzyzhtoff, a quien Hedwig acaba de gritarle por poner su sostén en la secadora, intenta ayudar a Phyllis presionando su diente.
Para la banda sonora, las canciones de Hedwig fueron grabadas por John Cameron Mitchell (voz principal), Stephen Trask , Miriam Shor , Bob Mould (de Hüsker Dü ), Ted Liscinski, Perry L. James, Alexis Fleisig y Eli Janney .
Las canciones de Tommy Gnosis fueron grabadas por Trask (voz principal), Shor, Mould, Liscinski, James, Scott McCloud, Janney, Fleisig y Johnny Temple.
En 2003 se publicó un CD con versiones de canciones de la película realizadas por artistas como Yoko Ono y Cyndi Lauper . El CD fue destinado al Instituto Hetrick-Martin y lleva el nombre de una de las canciones más populares del musical, “Wig in a Box”. La banda de metal gótico Type O Negative grabó una versión de “Angry Inch” en su álbum de 2003 Life Is Killing Me .
Cabe recordar que Hedwig and the Angry Inch es una fiel representación del Glam rock que represento un cambio en la masculinidad o machismo disfrazado del rock convencional.
Desde los gruesos aullidos de Howlin’ Wolf, las letras con referencias sexuales de Little Richard y los movimientos de cadera de Elvis Presley, los inicios del rock estuvieron fuertemente relacionados con la masculinidad y la sexualidad. Era natural que los jeans y las chaquetas de cuero se convirtieran en un símil del género: la primera, una prenda popular entre la clase trabajadora de la época (en su mayoría integrada por hombres); y la segunda, una pieza hecha de un material popular entre la comunidad BDSM.
Buena parte de esta actitud tenía el objetivo de ir en contra de lo preestablecido y del “buen gusto”, que veía como un enemigo la promiscuidad, y de una generación que buscaba dejar en los más jóvenes una serie de valores que ya no eran vigentes. En la década de los setenta y después en los ochenta este espíritu combativo tomó un particular camino que vio en el glam un acto de rebeldía.
El Glam: se puede definir como un atractivo excitante o misterioso, que muchas veces se asocia con la belleza física llamativa, el lujo o la celebridad.
Ya fuera o como chicas adolescentes al estilo de los miembros de New York Dolls, como una caricatura de señoras de clase alta al estilo de Dee Snider de Twisted Sister, o con un estilo andrógino a la David Bowie, de repente el rock fue contra todo lo establecido y comenzó a usar spray, diamantina, terciopelo, zapatos de plataforma, pantalones ajustados y labial, creando el Glam rock.
El glam se apoderó de los escenarios, los conciertos parecían pasarelas de moda donde los músicos presumían sexualidades alternas y estilos que en esa época estaban reservados a las mujeres, alarmando a la prensa conservadora que advertía que la nueva generación había entrado en una espiral de excesos, sexualidad y falta de disciplina.
En muchos sitios estas actitudes continúan siendo revolucionarias en nuestros días y en los setenta era una confrontación directa a la generación adulta. Los padres de buena parte de estos jóvenes habían vivido la lucha en contra del nazismo y los estragos de una guerra mundial; pero para la nueva generación el fascismo parecía haber sido un mal sueño y el nuevo enemigo se encontraba en casa: todo aquel que iba en contra de la revolución.
En la década de los cincuenta, controversiales investigaciones habían puesto dudas sobre la sexualidad de los hombres. El conocido Informe Kinsey (titulado Comportamiento sexual del hombre), en 1948 había publicado las preferencias y experiencias sexuales de 12 mil hombres. En el texto se informaba que la mayoría de los hombres se masturbaba (incluso al estar casados) e incluso el 38.7 % de los encuestados de entre 36 y 40 años dijeron haber tenido una relación con alguien de su mismo sexo; datos sorprendentes para una sociedad que se terminaría escandalizando por los movimientos de cadera de un joven de Mississippi.
Años más tarde, la segunda ola del feminismo se enfocó en problemas relacionados con los derechos reproductivos, sexualidad y, sobre todo, en las esferas de la sociedad dominadas por un sistema patriarcal, cuestionando todos los valores machistas que habían prevalecido por años en la sociedad.
Por si fuera poco, la clase media comenzó a adquirir fuerza y con ella el consumismo, de repente la mayoría de los hombres tenían la posibilidad de adquirir nuevos productos. De esta manera, la industria de la moda, que hasta ese tiempo tenía el estereotipo de estar reservada para las mujeres, comenzó a centrar su atención en sus clientes masculinos, sobre todo en múltiples prendas unisex, estilos que comenzaron a abrir una masculina alterna. El mundo estaba cambiando y el rock no estaba exento.
Si las generaciones anteriores venían de una sociedad militarizada y disciplinada, el rock iría contra toda esta idea. Los Beatles comenzaron a utilizar el cabello largo y con su disco Sgt. Pepper ‘s Lonely Hearts Club Band abrazaron completamente el estilo multicolor de la psicodelia; mientras que los Rolling Stones, a través de Mick Jagger, se presentaron como uno de los mayores rechazos de la masculinidad convencional en los escenarios.
La evolución natural de esta tendencia llegó con David Bowie, quien dio origen a su personaje Ziggy Stardust, una estrella andrógina bisexual del espacio que es mandada a la Tierra para pregonar un mensaje de esperanza. Mientras que los coloridos y originales trajes de los miembros de Slade brindaron una moda alterna y la actitud punk de New York Dolls sumaron a la actitud rebelde del movimiento.
Así fue como la masculinidad que por años había dominado la cultura comenzó a ser combatida por medio de varios artistas que les mostraron a miles de personas, comunidades, estilos y actitudes que antes habían permanecido ocultas.
De un momento a otro, los ídolos del escenario de los jóvenes mostraron una masculinidad completamente alterna: con cuerpos andróginos, prendas que aparentemente eran exclusivas de las mujeres y maquillaje para resaltar el glamour.
Si bien los artistas glam adoptaron una masculinidad diferente, la escena mantuvo varias actitudes machistas propias de su tiempo. El punto más obvio es la falta de mujeres, si bien en el rock esta ausencia es una constante, llama más la atención en este tipo de movimientos en los que se buscaron romper estereotipos. Aunque artistas como Suzi Quatro decidieron invertir el rol de géneros al asumir un estilo sobrio y que negara varios aspectos reservados a la feminidad.
Es claro que artistas como David Bowie estaban convencidos de la necesidad de nuevas masculinidades y del combate al machismo. Sin embargo, múltiples bandas parecieron adoptar al glam como una moda, sin pensar del lugar del que provenía, y continuaron con las tendencias machistas de la época.
A través de letras de canciones y actitudes hacia las seguidoras, especialmente hacia las llamadas groupies, varios grupos y artistas sin importar sus prendas y maquillaje continuaron exhibiendo actitudes machistas, ya sea desestimando las experiencias de las mujeres, ridiculizando los elementos del otro sexo, asumiendo posturas homofóbicas o sexualizando a toda figura femenina.
El glam rock se trató de un movimiento revolucionario que intentó cambiar los tropos de su tiempo atacando directamente al status quo del que fueron resultado, pero al final, en muchas ocasiones, no pudo liberarse del sistema que en un principio comenzó a combatir.
Los artistas (bandas o solistas) de “glam rock” tienen en el repertorio de sus canciones, tanto classic rock, metal rock, heavy metal o power ballad, de ahí se evidencia que se refiere a rock representado con estética glamurosa, es decir, con encanto sensual, antes que a características musicales que se refieran a un solo subgénero.
Nació tras una época en la que el rock psicodélico y el rock progresivo exacerbaban (exageraban y hasta abusaban) el virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock’n’roll. Por ello, muchos artistas, como Marc Bolan, de T.Rex, y David Bowie, comenzaron a recuperar esa sencillez perdida, es decir, a la estructura y concepción del rock clásico, al metal.
Algunos de sus pioneros y máximos exponentes son David Bowie, Elton John, T. Rex, Gary Glitter, Roxy Music, Brian Eno, Sweet, Slade, Queen, Sparks, Kiss, New York Dolls, Lou Reed, Alice Cooper, Hanoi Rocks, y algunas de las canciones más famosas son «Starman», «Ziggy Stardust» (ambas de David Bowie), «Get It On», «20th Century Boy» (ambas de T. Rex), «Rock & Roll part one», «Rock & Roll part two» (ambas de Gary Glitter), «Cum On Feel the Noize» de Slade (popularizada más tarde por Quiet Riot), «Fox On The Run», «The Ballroom Blitz» (ambas de Sweet), «This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us» de Sparks y «Killer Queen» de Queen.
Por su parte, Roxy Music, cuyos miembros más destacados fueron Bryan Ferry y Brian Eno, hacían un art rock en el que cabían las baladas vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la formación después de su segundo disco For Your Pleasaure. En su primer álbum en solitario, Here Comes The Warm Jets, siguió la tradición glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más centrada en la música electrónica.
Incluso el sobrio Lou Reed sucumbió ante las lentejuelas y el rímel en esos días, después de que su anterior grupo, The Velvet Underground – que fue un claro precursor del glam y el punk en lo estrictamente musical- se disolviera. Fue entonces cuando firmó uno de los mejores discos de su carrera, Transformer, que fue producido por Bowie. En su siguiente disco, Berlin, recoge la vena más dramática y sórdida del glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha ciudad alemana.
Actualmente, uno de los cantantes de glam rock más influyentes es Adam Lambert. La portada de su álbum debut For Your Entertainment desató polémica, ya que era bastante andrógina y un homenaje al pasado. Lambert ha aceptado ser un gran admirador de David Bowie. Realizó versiones de «Let’s Dance», «Fame» y «Life on Mars» en el tour de American Idol 2009, y en su última gira Glam Nation, versionó la canción de T. Rex «20th Century Boy».
AM.MX/fm
